BIOGRAFIA
Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de
1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue
un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los
más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus
pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de
más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes
mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos.
La creación de
Adán (Capilla Sixtina)
La creación de
Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel
alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios
le da vida a Adán, el primer hombre (según la tradición bíblica).
Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del
Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es
una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.
Composición
Dios
es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada
túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo
está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien
no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea
dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado,
para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo
se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos
dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a
cuatro años en ser completada.
Las
posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que
Dios creó al hombre a su imagen y semejanza. Al mismo tiempo Dios, que aparece
flotando en el aire contrasta con la imagen terrenal de Adán, quien se
encuentra acostado en una estable triángulo de tierra. El nombre de Adán viene
del hebreo y significa hombre y la forma femenina Adamah significa Tierra.
La
inspiración de Miguel Ángel pudo haber venido del himno medieval Veni Creator
Spiritus, en el que se pide que el dedo de la mano paterna derecha (digitus
paternae dexterae) dé a los fieles amor y corazón.
David
El
David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5.572
kilogramos de masa, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504
por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de
Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a
enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de
Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la
amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El
David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los
historiadores, y una de las esculturas más famosas del mundo. Actualmente
se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia, aunque hasta
1910 estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría de la capital toscana; desde
entonces en su lugar se erige una copia de la obra a tamaño real realizada
también en mármol.
2. LEONARDO DA VINCI
BIOGRAFIA
Fue un pintor florentino. Notable polímata del
Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico,
científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y
urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 14522 y falleció en Amboise el 2 de
mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien
legó sus proyectos, diseños y pinturas.2 Tras pasar su infancia en su ciudad
natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio.
Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del
duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y
pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco
I.
La última cena
La última cena (en italiano: Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura
mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497,1 2 se
encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio
del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán (Italia).3 La
pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es
un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas
de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm de alto por 880
cm de ancho. Muchos expertos e historiadores del arte, consideran a La última
cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo.
La mona lisa
La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida
como La Mona Lisa, es una obra pictórica del italiano Leonardo da Vinci.
Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, desde
entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se exhibe en el Museo
del Louvre de París.
Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano),
deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa
de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini,
de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.
3. RAFAEL
BIOGRAFIA
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 15201
), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael1 n. 1 fue
un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor
pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes
aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el
estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Las Gracias
Las tres gracias es un cuadro de Rafael Sanzio que se
cree fue pintado en 1504 durante su estancia en Florencia. Pintada sobre tabla,
esta obra, que apenas mide 17 centímetros de altura, es una joya artística que
a lo largo de la historia ha pasado por diversos dueños. Entre ellos, el pintor
Thomas Lawrence, lord Derby, la Colección Borghese o lord Ward. Actualmente se
conserva en el Museo Condé de Chantilly (Francia).
Fue una obra de encargo que forma pareja con El sueño
del caballero (National Gallery de Londres). Siempre se ha considerado a
Scipione di Tomaso Borghese como el cliente pero en la actualidad se especula
con la posibilidad de Francesco Maria della Rovere, apuntándose también como el
protagonista del retrato de Joven con manzana de la Galería Uffizi.
La escuela de atenas
La escuela de Atenas fue pintada por Rafael Sanzio 1509 como encargo del Papa Julio II para la decoración de la Stanza della Segnatura, convertida en su biblioteca privada.
La obra representa a la Filosofía, una de las cuatro facultades clásicas junto con a la teología, el derecho y la medicina, que decoran el resto de las paredes de la estancia. Rafael reúne en la obra a los que en la edad media se consideraban los padres del pensamiento, pero tomando de modelo a personajes públicos de la época, como Leonardo da Vinci encarnando a Platón o Miguel Ángel como Heráclito.
4. DONATO DONATELLO
BIOGRAFIA
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello (Florencia,
Italia, 1386-ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un artista y escultor
italiano de principios del Renacimiento, uno de los padres del periodo junto
con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio. Donatello se convirtió en
una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el
tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad
dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir
«relieve aplanado o aplastado».
David de bronce
El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del
escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430
según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en
los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el
Bargello. Es una obra representativa del quattrocento italiano y tiene un aire
inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente
praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente
frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.
Maria Magdalena penitente
Representa a María Magdalena haciendo penitencia por
sus pecados.
La condición de mujer pecadora de la Magdalena, lo que
la da un implícito trasfondo sexual muy explotado desde la Edad Media, permite
a los artistas una libertad en el tratamiento de la anatomía femenina que no es
habitual en otras santas.
Se la suele representar semidesnuda, con ropas toscas
y el pelo largo y desordenado. Se puede representar en un entorno natural o en
un interior; pero lo más habitual es que aparezcan algunos elementos
característicos, como la calavera, la cruz y, en ocasiones, algún instrumento
de mortificación.
La semejanza iconográfica de las "Magdalenas
penitentes" con las representaciones de santa María Egipcíaca hacen que en
ocasiones sean confundidas.
5. SANDRO BOTTICELLI
BIOGRAFIA
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 14451
-Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor
cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el
mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como una
"edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita
de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del
siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la
gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y
La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más
conocidas.
Nacimiento de venus
El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura
de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de
las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y
mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería
de los Uffizi, Florencia.
Mapa del infierno
Aquí se encuentran, entre lamentos de dolor y de ira,
las "gentes que vivieron sin gloria ni infamia", mezcladas con los
ángeles que no se rebelaron contra Dios, pero no por lealtad, sino para evitar
las consecuencias de tomar partido en la lucha entre el bien y el mal. El cielo
los rechaza porque no hicieron nada bueno y el infierno también, porque no
hicieron nada malo. Su tormento es que nadie se acuerda de ellos, no tienen
esperanza de morir y no tienen nada que hacer en su pobre vida, desdeñados
tanto de la justicia como de la compasión. Dante está condenando aquí, en
particular, a sus compatriotas que, al contrario que él, evitaron tomar partido
en los conflictos políticos de su tiempo anteponiendo su bienestar al bien de
su ciudad.
También están allí los pusilánimes, desnudos, acosados
por avispas, moscones y gusanos. Entre ellos estaba "quien hizo por
cobardía aquella gran renuncia", sin duda el Papa Celestino V.
El Infierno es un enorme valle cónico y está dividido
en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior.
Para llegar hasta él hay que cruzar el río Aqueronte, y las almas lo hacen en
la barca de Caronte.
Círculo primero
El círculo primero es el Limbo, donde están quienes,
sin haber cometido falta alguna, han muerto sin haber recibido el bautismo; en
particular, todos cuantos nacieron antes de la llegada de Cristo. Las
excepciones son Adán, Abel, Noé, Moisés, Abraham, Isaac, Jacob y sus doce
hijos, Raquel y "otros muchos", que dejaron el Infierno cuando fue
visitado por Jesucristo entre su muerte y su resurrección, y fueron entonces
convertidos en santos. Los que están en el Limbo no sufren tormento alguno,
salvo el saber que estarán allí para siempre.
Círculo segundo
A la entrada del círculo segundo está el rey Minos,
ante cuya presencia todas las almas confiesan sus pecados y él los asigna al
lugar del Infierno que les corresponde. En este círculo se castiga a "los
lujuriosos, que la razón someten al deseo", eternamente arrastrados de un
sitio a otro por un terrible e incesante viento. Entre ellos se encuentran
Francesca da Rimini y Paolo Malatesta. Los amantes explican cómo estaban
leyendo la historia de Lanzarote y la reina Ginebra y, en el punto en que los
personajes se besaron, ellos lo hicieron también, y así empezó su perdición.
Círculo tercero
El círculo tercero está guardado por Cerbero, el perro
de tres cabezas. Aquí se castiga el pecado de la gula. Los condenados sufren
una tormenta perpetua, con lluvia y granizo.
Círculo cuarto
El círculo cuarto está guardado por Pluto, el dios
romano de la riqueza, y en él se encuentran los pródigos y los avaros,
condenados a hacer rodar pesadas rocas desde las laderas del valle hasta chocar
en el centro. Entre los condenados hay numerosos clérigos, cardenales y papas.
Círculo quinto
En el círculo quinto está la laguna Estigia, vigilada
por Flegias, hijo de Marte. Enfangados en ella, luchando eternamente unos
contra otros, a golpes y mordiscos, están los condenados por el pecado de la
ira, mientras que debajo del agua están los acidiosos, es decir, los perezosos
y los que vivieron tristes y deprimidos sin motivo. Entre los iracundos estaba
Felipe Argenti, florentino llamado así porque en una ocasión hizo herrar a su
caballo con herraduras de plata. Su familia, los Adimari, fue la que se quedó
con los bienes de Dante cuando fue exiliado.
Los cuatro círculos anteriores castigan los pecados de
incontinencia, mientras que los círculos siguientes castigan (más severamente)
la maldad en sentido estricto. La región que comprende a todos ellos se llama
Dite (un nombre latino para el Hades, o el Infierno), una ciudad que toma el
color rojo de las llamas que hay en ella por todas partes, y está rodeada de
murallas, cuyas puertas guardan los demonios.
Círculo Sexto
En el círculo sexto se condena a los herejes. Está
sembrado de tumbas en cada una de las cuales arde el jefe de una secta herética
junto con todos sus seguidores. Allí se encuentra Farinata degli Uberti.
Círculo Séptimo
El círculo séptimo está custodiado por el Minotauro,
en él se castiga a los violentos y está dividido en tres recintos:
Recinto primero
Aquí se castiga a los que cometieron violencia contra
el prójimo, cuyas almas hierven en el Flegetonte, un río de sangre. Los que
intentan salir de él son devueltos por las flechas de los centauros que vigilan
sus orillas.
Recinto segundo
Aquí se castiga a los que cometieron violencia contra
sí mismos (los suicidas) o contra sus posesiones (dilapidadores). Los que han
renunciado a su cuerpo mediante el suicidio lo pierden para siempre, pues
cuando sus almas son arrojadas a este recinto se convierten en árboles que
sangran cuando las arpías se comen sus hojas. Los dilapidadores son perseguidos
y devorados por perros.
Recinto tercero
En el recinto tercero se castiga a quienes cometieron
violencia contra Dios y sus designos: blasfemos, homosexuales y usureros. (Los
usureros no respetaban el mandato divino de ganarse el pan con el sudor de su
frente, sino que se lo ganaban con el sudor de la frente ajena.) Se trata de un
arenal ardiente sobre el que cae una lluvia de fuego. Los blasfemos están
tendidos boca arriba, lo que les impide protegerse de la lluvia; los usureros
están sentados, lo que les permite estar algo más resguardados, mientras que
los homosexuales pueden correr libremente (y si uno se para se ve obligado a
estar parado durante cien años).
Círculo octavo
En el círculo octavo se condenan las distintas clases
de fraude, y se llama Malasbolsas, porque está dividido en diez recintos o
bolsas. Está separado del anterior por el río Flegetonte, que forma una gran
catarata.
• Bolsa
primera: En ella se castiga a los seductores, azotados por demonios cornudos,
provistos de látigos.
• Bolsa
segunda: Aquí están los aduladores, hundidos en estiércol.
• Bolsa
tercera: Aquí se castiga la simonía. Cada reo está metido boca abajo en un
agujero, de modo que sólo le asoman los pies en llamas. Dante se encuentra con
el Papa Nicolás III, que confunde al poeta con Bonifacio VIII (que aún no ha
muerto, pero ya está destinado a este lugar del infierno, y tras él le seguirá
Clemente V, que destruyó a los templarios por dinero).
• Bolsa
cuarta: Aquí se castiga a los adivinos, que caminan hacia atrás porque les han
retorcido el cuello, de modo que tienen la cara en la espalda.
• Bolsa
quinta: Aquí están los estafadores, a los que unos demonios negros sumergen en
una espesa resina ardiente y les pinchan con sus garfios si asoman la cabeza.
• Bolsa
sexta: Aquí están los hipócritas, que iban vestidos con capas que por fuera
eran de oro y por dentro de pesado plomo, que se veían obligados a llevar con
gran esfuerzo. Caifás, Anás y todos los judíos que decidieron la crucifixión de
Cristo estaban crucificados, desnudos en el suelo, de modo que los demás
hipócritas pasaban por encima de ellos.
• Bolsa
séptima: Aquí los ladrones desnudos entre serpientes que se les suben encima,
les muerden y hacen que se deshagan en cenizas, pero luego se recomponen para
seguir sufriendo el tormento.
• Bolsa
octava: Es un foso en llamas, donde se castiga a los que sembraron discordia.
• Bolsa
novena: Unos demonios desgarran en ella a los "sembradores de escándalo y
cisma", entre los que se encuentran Mahoma y Alí.
• Bolsa
décima: Los falsificadores caminan aquejados de distintas enfermedades. Entre
ellos está Gianni Schichi, que falsificó un testamento para cobrar una
herencia.
Círculo noveno
El último círculo está rodeado por los gigantes que
forman una muralla humana que sobresale hasta la altura del círculo octavo. En
él se castiga a los traidores, sumergidos en hielo. Se divide en cuatro zonas,
en las que se castiga, respectivamente, a los traidores a su propia familia, a
los traidores políticos, a quienes traicionaron a sus amigos (entre ellos
Ugolino della Gherardesca y el cardenal Ruggieri degli Ubaldini) y, ya en el
mismo centro de la Tierra, donde estáLucifer, se encuentran quienes
traicionaron a sus benefactores, entre ellos Judas y los asesinos de César: Bruto
y Casio.
Lucifer es un gigante de unos mil metros. Fue arrojado
del cielo por el hemisferio austral, de donde se retiraron las tierras (todas
concentradas en el hemisferio norte) y quedó el agujero que lleva hasta el
centro de la Tierra. La tierra desplazada formó el monte del Purgatorio, junto
al agujero, por el que fluye el río Leteo.
6. EL BOSCO
BIOGRAFIA
Jeroen van Aeken o
Van Aken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch (Bolduque, h. 1450 -
enterrado en Bolduque, 9 de agosto de 1516), fue un pintor neerlandés.
Sus cuadros están
protagonizados por la Humanidad que incurre en el pecado y es condenada al
infierno. La única vía que parece sugerir el artista para redimirse se
encuentra en las tablas con vidas de santos que, dedicados a la meditación,
deben ser modelo de imitación, aunque estén rodeados por el mal. Ejemplo de
ello son las tablas con la Pasión de Cristo a través de la meditación sobre las
penas sufridas por Cristo, para rescatar del pecado universal al género humano.
Su estilo cambia en los últimos años de su actividad, pintando cuadros con un
menor número de figuras, pero de mayor tamaño, que parecen sobresalir del
cuadro y acercarse al observador.
El Bosco no fechó
ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró
muchas de sus obras después de la muerte del pintor. Como resultado, el Museo
del Prado de Madrid posee hoy en día varias de sus obras más famosas.
Adoracion de los magos.
La Adoración de los Magos o Tríptico de la Epifanía1
es un tríptico del pintor neerlandés El Bosco. Es un óleo sobre tabla, cuyas
medidas son de 138 x 72 cm para la tabla central, y de 138 x 33 para las tablas
laterales. Está firmado en el compartimento central, en el ángulo inferior
izquierdo: JHERONIMUS BOSCH.
Las tentaciones de San Antonio.
Las Tentaciones de san Antonio es un cuadro del pintor
flamenco El Bosco, ejecutado al óleo sobre tabla y que mide 70 centímetros de
alto por 51 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid
(España).
Esta tabla no debe confundirse con el tríptico realizado
por El Bosco sobre el mismo tema, actualmente en el Museo Nacional de Arte
Antigua de Lisboa. Este cuadro de Madrid es más sereno frente a la agitación
que reina en el tríptico lisboeta.
Es uno de los cuadros de los últimos años de El Bosco,
si bien como el resto de sus obras resulta no tener una datación unánime.
Friedländer habló de 1490; otros señalaron el año 1510, actualmente se opta por
el periodo 1500-1525. No es seguro que sea una obra autógrafa del Bosco,
pudiendo ser de un imitador o de su taller.
Estuvo en el Monasterio del Escorial antes de pasar a
formar parte de las colecciones del Museo del Prado.
7. MASACCIO
BIOGRAFIA
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (San Giovanni in
Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma,
otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de
su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura:
generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes
de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
San Pedro cura a los enfermos con su sombra
,_Masaccio.jpg/270px-Cappella_brancacci,_San_Pietro_risana_gli_infermi_con_la_sua_ombra_(restaurato),_Masaccio.jpg)
La escena se halla en el compartimento inferior del lateral izquierdo de
la capilla Brancacci, en la pared frontal. Presenta el momento -recogido en los
Hechos de los Apóstoles- en el que san Pedro sana a los tullidos con su sombra.
La escena se desarrolla en una calle florentina, ubicada según los
especialistas en la zona de San Felice in Piazza debido a las balconadas
típicas de los edificios medievales y la iglesia y el campanile que encontramos
al fondo. Sin embargo, el paramento almohadillado del palacio del primer plano
recuerda al Palazzo Pitti realizado por Brunelleschi. La perspectiva resulta la
gran protagonista de la composición, interesado Masaccio en trasmitir la
sensación de profundidad. Las figuras gozan de una monumentalidad escultórica y
de una expresividad que serán admiradas por artistas futuros como Piero della
Francesca. Se han identificado algunos personajes como el hombre del turbante
rojo -Masolino-, el anciano de barba blanca -Donatello- o el san Juan, Giovanni,
el hermano del pintor, apodado "Scheggia".
La expulsión de Adán y Eva del paraíso
La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal (en italiano, Cacciata
dei progenitori dall'Eden) es un fresco realizado por el destacado artista del
primer Renacimiento Masaccio. El fresco se encuentra pintado sobre la pared de
la Capilla Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia,
Italia. Representa una famosa escena en la Biblia, la expulsión del Paraíso que
se narra en Génesis, aunque con algunas diferencias en relación con el relato
canónico.
8. EL GRECO
BIOGRAFIA
Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος
Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541-Toledo, 1614), conocido como el Greco («el
griego»),1 fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo
muy personal en sus obras de madurez.
Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un
apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla.
Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor
renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y
Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En
1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su
vida.
Su formación pictórica fue compleja, obtenida en
tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la
causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la
segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento,
especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores
—él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo,
que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.
Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de
iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas -en los
que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos considerados del
máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia
de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo
personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente
alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en
ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este
estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando
en sus últimos años.
Actualmente está considerado uno de los artistas
más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente
y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre
su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que
llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.
La anunciación
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La anunciación es una obra de El Greco, realizada en
1570 y conservada en el Museo del Prado de Madrid. Para el estudioso José
Álvarez Lopera, esta obra procede de un grabado de Giacomo Caraglio.
Es una de las imágenes mejor logradas del período
veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si es un boceto o una
composición ligada al Tríptico de Módena. Destacan las influencias de Tiziano,
en la figura de María y en la organización de la composición, y Tintoretto,
sobre todo en la arquitectura de la estancia. Al fondo se observa un cuadro de
ángeles. Esta obra aún mantiene el canon clásico del arte bizantino y difiere
notablemente de las últimas obras del cretense. Sin embargo, resulta atractivo
el juego de miradas entre la Virgen y el arcángel, reforzado por la diagonal
que da un eje a la composición.
Cristo en la cruz con las dos Marias y San Juan.
En 1596, El Greco se
comprometió a realizar el retablo de la iglesia del colegio de doña María de
Aragón, un seminario de la orden agustina. El nombre popular alude a doña María
de Aragón, la mecenas que pagó las obras. El Greco recibió el encargo del Consejo
de Castilla, que se había hecho cargo de las obras después de la muerte de doña
María. Existen documentos que atestiguan que debía realizarse en tres años y se
valoró el trabajo en algo más de sesenta y tres mil reales, el precio más alto
que consiguió en su vida. Sin embargo no hay referencias del número de cuadros
que lo formaban, ni de la estructura del retablo, ni de la temática tratada.
Esta obra se situaba
en el espacio central del retablo. La escena está estructurada a base de dos
triángulos en los que se insertan las figuras. Jesús en la cruz es el eje de
simetría; a su derecha se encuentran la Virgen María y a la izquierda san Juan
Evangelista. Tres ángeles completan la escena recogiendo la sangre que emana de
las heridas del Crucificado.
Es de destacar la
desproporción entre las figuras de la escena. En cuanto al color, El Greco
sigue usando su gama tradicional, aunque ya mezcla las tonalidades de la
Escuela veneciana con las que aprendió durante su estancia en la Roma
manierista de 1570.
La visión nocturna
del Monte Calvario que aquí vemos tiene un notable carácter religoso. Se genera
una gran intensidad dramática, agravada por los contrastes cromáticos. Algunas
figuras, como María Magdalena, siguen estrictamente el canon italiano.
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